Su obra le ubica como pionero en la combinación de elementos del arte occidental y oriental, aun cuando esto no fue reconocido desde el inicio debido al bajo perfil de sus pinturas.

Sus pinturas plenas de simbolismo místico y metafísico contienen una caligráfica, que el mismo autor calificó de “escritura blanca”. Mark Tobey, un pintor tranquilo y sin pretensiones, logro con sus obras un impacto en gran parte del arte moderno, en particular sobre la energía explosiva del expresionismo abstracto.

Tobey nació en Centerville, Texas en 1890. Muy joven se fue a Chicago y trabajó como ilustrador por día y asistió al Chicago Art Institute de noche.

En 1918, se convirtió a la Fe Bahá’í. Esto, junto con su posterior estudio del budismo zen, formó las bases filosóficas de la mayor parte de su trabajo.

En 1923, se trasladó a Seattle para enseñar arte y continuó pintando en su temprano estilo semi-realista. A pesar de que fue un viajero incansable durante casi toda su vida, Seattle se convirtió en su hogar. Fue allí donde tomó contacto con la gracia elegante de la caligrafía oriental.

Entre 1931 y 1938, mientras el artista vivía en Dartington Hall, una escuela progresista en Inglaterra, se reunió con líderes intelectuales como Aldous Huxley y Rabindranath Tagore, el místico hindú.

En 1934, se fue al Lejano Oriente, primero estudio el estilo de pintura en Shanghai y luego fue a Japón. Una estancia de un mes en un monasterio Zen Budista, la meditación y el estudio de la caligrafía, resultó ser el punto de inflexión en su pensamiento artístico.

Llegó a casa convencido de que “tenemos que saber sobre los dos mundos, el occidental y el oriental.” Para construir un puente entre los dos, él desarrolló su escritura “caligrafía blanca” que con madejas bucles y pintura con la luz contra un fondo oscuro, con líneas que forman letras sin temas reconocibles, sin embargo, llenó el espacio con un sentido de movimiento y profundidad. Al igual que los surrealistas, trató de “penetrar en la mente y liberarse de todos los procesos racionales, en un esfuerzo para llegar a lo más recóndito de la experiencia”.

A pesar de que no le gustaban las ciudades, fue la congestión urbana de la ciudad de Nueva York lo que interpretó Tobey en sus primeras composiciones en blanco por escrito. En Broadway (1935, Museo de Arte Moderno), por ejemplo, trató de comprimir el movimiento, los coches, la gente y la emoción de la zona en una relativamente pequeña tela lineal.

Una vez que Tobey encontro su modo de expresión artística, nunca se apartó de él. Aunque muchos pensaban que se aisló de la corriente principal del arte americano.

En 1960, se trasladó a Basilea, Suiza, viviendo y pintando hasta su muerte en 1976.

Nace en París en 1859, su padre, nativo de Champagne, que era alguacil, su familia poseía tierras que generaban buenos ingresos. Su madre era parisina. Sus 32 años de vida estuvieron dedicados a la pintura.

A los 16 años ingreso en la clase del escultor Justin Lequien,

Buscaba dar aplicación a la pintura en la ciencia. Era ordenado y tímido. El aprendizaje en la Escuela de Bellas Artes, con sus enseñanzas exageradamente academicistas, es la que  imponen sus profesores, haciendo de él un pintor de estilo clásico.

Más tarde participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el neoimpresionismo o el puntillismo.

Llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales.

Seurat empiezo a aislarse cansado de las polémicas que rodean su obra.

Vivió secretamente en estudio con una joven modelo, Madeleine Knobloch, que en febrero de 1890 dio a luz al hijo del artista.

Seurat murió de difteria y fue incinerado en el cementerio de Père Lachaise. Su último trabajo ambicioso, “El circo”, quedó incompleto.

Tras la muerte de Seurat, Madeleine dio a luz a su segundo hijo, cuyo nombre es desconocido. Seurat, tenía varias amantes, tuvo más de 15 hijos no reconocidos creando polémicas sobre quien se quedaría con su gran fortuna.

Fue enviado a la India con un Comisión de caballería en 1895. Él ganó fama temprana como corresponsal de guerra, cubriendo la rebelión cubana contra España (1895), y las campañas británicas en la frontera noroccidental de la India (1897), Sudán (1898) y África del Sur durante la Guerra de los Bóer (1899).

Churchill había escrito cinco libros de la edad de 26 años. Su audaz fuga de un campo de prisioneros Boer en 1899 lo convirtió en un héroe nacional y lo acompañó en la Cámara de los Comunes, donde su carrera abarcó 60 años.

Llevó a cabo muchos altos cargos en los gobiernos liberales y conservadores durante las tres primeras décadas del siglo XX. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, fue nombrado Primer Lord del Almirantazgo – un cargo que había ocupado anteriormente desde 1911 hasta 1915.

En mayo de 1940, se convirtió en Primer Ministro y Ministro de Defensa, cargo que mantuvo hasta 1945. Se hizo cargo de la jefatura de nuevo en la victoria conservadora de 1951 y renunció en 1955. Sin embargo, él siguió siendo miembro del parlamento hasta las elecciones generales de 1964, cuando no buscó la reelección.

La reina Isabel II le confirió el Churchill el título de caballero y le invistió con las insignias “Orden de la Jarretera” en 1953. Entre los innumerables otros honores y condecoraciones que recibió, debe hacerse mención especial de la ciudadanía honoraria de los Estados Unidos que el presidente Kennedy le confiere el 1963.

La carrera literaria de Churchill comenzó con informes de campaña: La historia del Campo de Malakand de la Fuerza (1898) y La Guerra del Río (1899), una cuenta de la campaña en el Sudán y la batalla de Omdurman.

En 1900, publicó su única novela, Savrola, y, seis años más tarde, su primera gran obra, la biografía de su padre, Lord Randolph Churchill. Su biografía de otro famoso, la vida de su gran antepasado, el duque de Marlborough, se publicó en cuatro volúmenes entre 1933 y 1938.

La historia de Churchill de la Primera Guerra Mundial apareció en cuatro volúmenes bajo el título de La Crisis Mundial (1923-29), sus memorias de la Segunda Guerra Mundial salió en seis volúmenes (1948-1953/54). Después de su retiro del cargo, Churchill escribió una Historia de los pueblos de habla Inglés (4 vols., 1956-58). Su oratoria magnífica sobrevive en una docena de volúmenes de discursos, entre ellos la lucha implacable (1942), El amanecer de la Liberación (1945), y Victoria (1946).

Churchill, un pintor aficionado con talento, escribió La pintura como pasatiempo (1948). Un relato autobiográfico de su juventud, “My Early Life”, Mi vida temprana, apareció en 1930.

El 15 de enero de 1965, Churchill sufrió un segundo ataque cardiaco que le ocasionó una severa trombosis cerebral. Falleció nueve días después, el 24 de enero de 1965

Su cuerpo permaneció en la capilla ardiente en Westminster durante tres días por orden de la reina. El funeral se realizó en la catedral de San Pablo. Fue el primer funeral celebrado en dicha catedral a un hombre no perteneciente a la realeza.

Su féretro fue transportado por el Támesis a lo largo de los muelles todas las grúas estaban inclinadas en señal de respeto. La artillería real hizo diecinueve disparos en honor, como se hace con los jefes de estado, y dieciséis aviones de la Real Fuerza Aérea sobrevolaron Londres.

Fue el funeral con asistencia del mayor número de dignatarios en la historia, contando representantes de más de cien países, hasta el fallecimiento del Papa Juan Pablo II en 2005.

Por petición de Churchill fue enterrado en la tumba de la familia en la iglesia de Saint Martin, Blandon, cerca de Woodstock y no lejos de su lugar de nacimiento en Blenheim.

William Blake nació el 28 de noviembre 1757 en Londres, el tercero de cinco hijos.Su padre James, era un calcetero (fabricante y vendedor de medias o “calcetas”), y sólo podía permitirse el lujo de dar a William educación suficiente para aprender los fundamentos de la lectura y la escritura, aunque por un corto período de tiempo fue capaz de asistir a una escuela de dibujo dirigida por Henry Par.

William trabajó en el taller de su padre hasta que su talento para el dibujo se hizo tan evidente que entró como aprendiz de grabador James Basire a los 14 años. Terminó su aprendizaje a los 21 años, y se dedicó a ganarse la vida como grabador.

Blake se casó con Catherine Boucher a los 25 años, quien trabajó con él en la mayoría de sus creaciones artísticas. Juntos publicaron un libro de poemas de Blake y dibujos llamado Canciones de inocencia.

Blake grababa las palabras y las imágenes en planchas de cobre (con un método, que según él, recibió en un sueño), y Catherine coloreaba las placas y las cubiertas de los libros. Canciones de inocencia se vendió lentamente durante la vida de Blake, de hecho Blake vivió cerca de la pobreza de gran parte de su vida.

Más éxito tuvo una serie de grabados en cobre Blake hizo para ilustrar el libro de Job para una nueva edición del Antiguo Testamento.

Blake no tenía cabeza para los negocios, y rechazó las peticiones editor de centrarse en sus propios seguidores. En su elección de temas Blake fue guiado a menudo por sus puntos de vista suaves y místicos del cristianismo. Cantos de Experiencia (1794) fue seguido por Milton (1804-1808), y Jerusalén (1.804 a 1.820).

En 1800 Blake tuvo de patrón a William Hayley, quien le encargó ilustrar su Life of Cowper, y la creación de bustos de poetas famosos para su casa en Felpham, Suurey.

Mientras que en Felpham, Blake estuvo involucrado en un extraño episodio que podría haber resultado desastroso, fue acusado por un soldado borracho de maldecir al rey, y por este testimonio fue llevado a juicio por traición. Al comparecer Blake resultó inocente y fue absuelto de los cargos.

Blake vierte todo su ser en su trabajo. La falta de reconocimiento público le envió a una grave depresión que duró desde 1810-1817, incluso sus amigos más cercanos lo consideraban loco.

A diferencia de pintores como Gainsborough, Blake trabajó a pequeña escala, la mayoría de sus grabados son poco más que unas pulgadas de altura, sin embargo, la representación detallada y exacta es excelente. El trabajo de Blake recibió el aplauso de público aun después de su muerte, a un fragmento de su poema de Milton se le puso música, convirtiéndose en una especie de himno oficioso del nacionalismo cristiano Inglés en el siglo 20.

William Blake murió el 12 de agosto de 1827, y está enterrado en una tumba sin nombre en Bunhill Fields, Londres.

Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, ahí estudió dibujo,  pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin.

En 1859, Monet decidido comenzar su carrera de artista en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor Édouard Manet entre otros para formar la escuela impresionista, incluyendo a Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Monet transgredía los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística directa. Sus experiencias al aire libre son audaces, buscando los efectos que produce la luz del día utilizando una aplicación libre de colores brillantes. Dando la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional.

Después de su servicio militar prestado en en Argelia, regresó a París, en el estudio de Charles Gleyre conoció a jóvenes artistas, como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois compartio con intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar, Cézanne y Degas, que como el comenzaban a oponerse al arte establecido.

Entre las primeras obra de Monet, La costa de Sainte-Adresse (1864, que se encuentra en el Institute of Arts, Minneapolis), se asemaeja a su maestro Boudin, pero Monet aplica en la pintura temas y formatos de mayor complejidad y tamaño.

En 1874, Monet y sus colegas decidieron organizar sus exposiciones. Se autonombraron independientes, pero su audiencia pronto los etiqueto, no con buena intención, como impresionistas por el aspecto inconcluso de sus obras, y ya que una de las pinturas de Monet llevaba el título “Impresión, sol naciente” (1872, que se encuentra en el Museo Marmottan, París).

En estos tiempos (1972) Monet utilizaba un estilo libre, aplicaba aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas, acorde con la espontaneidad e inmediatez de la pintura al aire libre que requiere captar con rapidez la impresión en un momento de la naturaleza.

Entre las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica, practicando por otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores.

Su obra “El deshielo de Vétheuil” (1881, ubicado en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es una muestra clásica de las obras de Monet en este periodo.

A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el líder de la escuela impresionista, ya había alcanzado reconocimiento y posición económica. Se le valoró como un maestro de la observación meticulosa.

En 1890, adquirió una propiedad Giverny, cerca de París, y comenzó a construir un jardín —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—.

En 1906, comienzo a pintar el estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año.

En sus últimos años su proceso creativo iba más allá de la observación directa de la naturaleza, quizá impulsado por su pérdida de vista  empleaba su memoria visual como recurso para terminar sus obras.

Así las imágenes de su memoria son percepciones determinadas como veía los objetos, llevándole a una nueva concepción de la imagen pictórica y de la realidad. En sus últimas composiciones de lirios de agua  las formas está prácticamente disueltas, manchas de color se muestran en una anticipación de lo que sería más tarde el arte abstracto.

Monet, continuó pintando casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en su casa de Giverny.

Picasso demostró un particular talento artístico desde sus primeros años, pintando de un modo realista desde infancia a su adolescencia durante la primera década del siglo XX, su estilo cambió cuando experimentó con diferentes teorías, técnicas e ideas. Picasso manifestó su creatividad en múltiples formas, incluyendo pinturas al óleo, escultura, dibujo y arquitectura. Sus logros artísticos revolucionarios lo llevaron al renombre universal y una inmensa fortuna a lo largo de su vida, haciendo de él la figura más conocida del arte del siglo XX.

Decir que Pablo Picasso dominó el arte occidental en el siglo 20 es, por ahora, un simple lugar común. Antes de su cumpleaños50, el pequeño español de Málaga se había convertido en el prototipo del artista moderno como figura pública. Ningún pintor antes que él había tenido una audiencia de masas en vida. El público total de Tiziano en el siglo 16 o Velázquez en el 17 fue probablemente no más de unos pocos miles de personas – sin embargo, incluía la mayor parte de las cabezas coronadas, la nobleza y los intelectuales de Europa. La audiencia de Picasso – la gente había oído hablar de él y/o visto su trabajo, al menos en reproducción – se cuentan por decenas, posiblemente cientos, de millones. Él y su obra fueron objeto de análisis sin fin, chisme, disgusto, adoración y rumor.

Él era un hombre supersticioso, sarcástico, arisco con sus hijos, a menudo bestial con  su mujer. Sentía desprecio por las mujeres artistas. Su famosa frase sobre las mujeres “diosas o felpudos” le ha ganado el odio de las feministas, pero las mujeres tendían a acercarse en dos vías con precaución y con entusiasmo, por su encanto legendario. Muchas industrias culturales derivaron de su virilidad mitificada. Él era el Minotauro en un laberinto de curvas y papel de su propia construcción.

También fue políticamente afortunado. A pesar de que para los nazis su trabajo era el epítome del “arte degenerado”, su fama lo protegió durante la ocupación alemana de París, donde vivió, y después de la guerra, cuando los artistas y escritores eran señalados por la menor afiliación con el nazismo o el fascismo, Picasso dio apoyo entusiasta a José Stalin, un asesino de masas en una escala mucho más allá que Hitler, y apenas recibió unas palabras de crítica, incluso durante la guerra fría en América.

Ningún pintor o escultor, ni siquiera Miguel Ángel, había sido tan famoso como este en vida. Y es muy posible que ninguno lo sea, ahora que la misión de exponer el significado social, para articular el mito y generar imágenes muy memorables ha sido en gran parte transferidos de pinturas al óleo y esculturas a otros medios: fotografía, cine, televisión. Aunque Marcel Duchamp, ese zorro astuto viejo de la ironía conceptual, sin duda ha tenido más influencia nominalmente en el arte de vanguardia en los últimos 30 años que Picasso, el español fue el último gran beneficiario de la creencia de que el lenguaje de la pintura al óleo y la escultura realmente importaba a los otras personas además de sus devotos. Y él fue el primer artista en disfrutar de la obsesiva atención de los medios de comunicación. Se puso de pie en la intersección de estos dos mundos. Si eso no hubiera sido así, sus cambios de estilo inquieto, su constante empuje a lo envolvente, no habría creado tanta controversia – y por lo tanto la celebridad.

En el mundo del arte actual, un lugar sin héroes de la cultura en vida, ni siquiera se puede imaginar un monstruo proteico surgiendo. Su producción fue inmensa. Esto no es una virtud en sí misma – sólo unos pocos óleos de Vermeer sobreviven, y menos aún de los hermanos Van Eyck, pero están tan firmemente afianzada en la historia como Picasso nunca fue o será. Sin embargo, la obra de Picasso plena el mundo, y dejó marcas permanentes en todas las disciplinas que participó. Su trabajo se amplió fractalmente, una imagen creo nuevos grupos de otras, hasta su muerte.

Por otra parte, fue el artista que prácticamente todos los otros artistas han tenido que reconocer, y prácticamente no había un movimiento del siglo 20 que no hubiese inspirado, contribuido o – en el caso del cubismo, que, en uno de los grandes de la historia del arte la colaboración, co-inventado con Georges Braque – . La excepción, ya que nunca Picasso pintó un cuadro resumen en su vida, era el arte abstracto, pero incluso allí su huellas estaban por todas partes – un ejemplo evidente es su efecto en los primeros trabajos de los pintores del expresionismo abstracto americano, Arshile Gorky, Jackson Pollock y Willem De Kooning, entre otros.

Gran parte de la historia de la escultura moderna está ligada a la soldadura y montaje de imágenes de láminas de metal, en lugar del modelado en arcilla, la fundición en bronce o talla en madera, y esta tradición de la forma abierta construida en lugar de masa sólida surgió de una pequeña guitarra que cortó y unió Picasso de hojalata en 1912. Si collage – el pegado de las cosas que anteriormente no relacionados e imágenes sobre una superficie plana – se convirtió en un modo básico de arte moderno, que también se debió a la colaboración de Picasso cubista con Braque. Él nunca fue miembro del grupo surrealista, pero en los años 1920 y 30 produjeron algunos de las más aterradores distorsiones del cuerpo humano y la más violenta irracionallidad, las imágenes eróticas de Eros y Tánatos siempre comprometido con el lienzo. No era un pintor/reportero realista, y menos aún a menos muralista oficial, y sin embargo sigue siendo el Guernica la imagen política más poderosa en el arte moderno, sólo comparable a algunos de los trabajos mexicanos de Diego Rivera.

Picasso era considerado como un niño genio, pero si hubiera muerto antes de 1906, los 25 años, su marca en arte del siglo 20 habría sido leve. Los períodos de los llamados azul y rosa, con sus figuras descoloridas nostálgicas de mendigos y gente del circo, no lo son, a pesar de su gran popularidad, mucho más que pendientes al simbolismo de finales del siglo 19. Fue la experiencia de la modernidad que creó su modernismo, y lo que pasó en París. Allí, la producción en masa y la reproducción había pasado al primer plano de la vida cotidiana: periódicos, etiquetas impresas, la superposición de carteles en las paredes – la vida pública vertiginosamente intensa de los signos, simultáneamente, de alta velocidad y en capas. Este fue el paisaje urbano del cubismo.

“El arte es una mentira que nos hace darnos cuenta de la verdad”

-Pablo Picasso

Fuente: Pablopicasso.org

Pablo Picasso

Cada día hay en el Universo una estela dejada por la acción de otros seres humanos que al igual que nosotros buscaban la excelencia. Hoy esa  estela o  “semilla del día” fue sembrada por…

Pablo Picasso, Pintor y escultor español, figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

Esta medalla, única en su género por su forma de guijarro, se editó en 1981 para celebrar el centenario del nacimiento del artista español Pablo Picasso. Con motivo de este acontecimiento, la UNESCO organizó en París un simposio internacional y una exposición, y publicó un libro y un número de El Correo de la UNESCO totalmente dedicado al pintor. Un año antes, la Conferencia General aprobó estas celebraciones teniendo en cuenta “el gran impacto y la significación universal de la obra de Picasso en la evolución y transformación del arte contemporáneo.” Una de las paredes del gran vestíbulo del edificio de conferencias de la UNESCO está decorada desde 1958 con un mural del artista de 76 m2 titulado La caída de Ícaro.

PICASSO, Pablo (1881-1973) :LA CAÍDA DE ÍCARO :LA COLECCION DE …

El amigo y compatriota de Picasso, Joan Miró, que por ese entonces era presidente de honor de la Asociación Internacional de Artes Plásticas, ejecutó el diseño original de la medalla e hizo donación del mismo a la UNESCO. Fue otro artista español, Joan Gardy Artigas, amigo de Miró, quien ejecutó el modelo a partir del cual se acuñó la medalla. El anverso de la medalla lleva la inscripción Pablo Picasso – Málaga – 25.X.1881 y tiene “en el centro un ojo, fijo y alerta, rodeado de inscripciones mágicas y musicales, como el ojo de Picasso…”, según la descripción que hizo el propio Miró. En el reverso se ve un paisaje con un campo desértico, un árbol, una estrella en el horizonte y la firma de Miró.

A los 15 dejo la escuela pero ahí comenzó su interés por el arte. A los 16, dieciséis entro a una Galería de Arte, Goupil de La Haya como empleado pues su tío era director.

Aprende sobre pintura y la literatura. En el verano de 1872 estrecha lazos con su hermano Theo quien con el tiempo seria el amigo de su vida, y mantendría correspondencia hasta su muerte, estas cartas sirvieron para conocer la vida de van Gogh.

En 1873, va con la galería a Londres, donde lleva una vida tranquila y se dedica al dibujo. Pero un amor no es correspondido, convertirá a Vincent un carácter violento y aspero, motivado por el rechazo viaja a Paris.

La religión es clave en su vida comienza a predicar el metodismo en Isleworth, regresar a Amsterdam para estudiar Teología protestante pero no es admitido en el Seminario. Aun así consigue ser nombrado predicador por el consistorio de Bruselas y destinado a Borinage.

Ayuda a los mineros locales con una huelga y pierde su cargo religioso, en esta época realiza los dibujos de mujeres recogiendo carbón. Van Gogh se dedica por entero a la pintura y a la lectura.

Con ayuda de su hermano Gracias a Theo ingresa a los 27 años en la Academia de pintura de Bruselas. Durante una visita a su hermano se enamora de una viuda, de mayor edad que él, resultando en otro rechazo amoroso.

En 1881, va a La Haya, es ahí donde su primo Mauve le presenta a los miembros de los círculos artísticos de la ciudad. Está en su época de naturalezas muertas.

Tiene amorios con una prostituta embarazada, cuyo apodo era “Sien”. Ella y su hija se convertirán en sus  modelos. Se contagia de sífilis, pero Van Gogh se niega a abandonar a la mujer aun bajo solicitud de su padre.

En el verano de 1883, azotado por su enfermedad, decide separarse definitivamente de Sien, por consejo de su hermano. Va a vivir con su padre en Neven y se interesa pictóricamente por los temas de la Naturaleza. También cultiva intensamente el retrato. Su obra cumbre de esta época es Los comedores de patatas.

Se traslada a París, donde le se encuentra con su hermano y con el “impresionismos”. Conoce personalmente a Pissarro, Seurac, Toulouse-Lautrec, Monet, Renoir y Gauguin.  También toma la influencia de la pintura japonesa.

Su pintura revolucionaria fuera de toda regla o tema de moda, pero de nuevo su situación económica es muy precaria; solo la ayuda de su hermano Theo lo separa del hambre y no consigue vender sus cuadros.

Por consejo de Toulouse-Lautrec, marcha a Arlés, de nuevo encuentra tranquilidad y pinta con entusiasmo. Recibe la visita de Gauguin. pero, tras una discusión sobre Rembrandt, Gauguin decide regresar a París a pesar de las súplicas de Vincent, que se corta una oreja y la envía a una prostituta con la que los dos amigos habían estado.

Theo decide que su hermano ingrese en el Hospital de Saint Paul, después de lo cual Van Gogh es rechazado por la gente de Arlés. El pintor sufre alucinaciones, y en la primavera de 1889 ingresa en el Hospital de Saint Reney. El diagnóstico es epilepsia y esquizofrenia sin llegar a grados extremos. Vincent convierte su habitación en estudio pictórico y trabaja infatigablemente en sus ahora lúgubres y violentas pinturas.

Para 1890 solo subsiste con lo que le envía su hermano. Se desespera, se siente fracasado y enfermo; le abruma la tristeza y la angustia. Consigue un revólver prestado y se da un tiro en el estómago. Regresa a su casa y espera que la muerte llegue.

El 29 de julio recibe sepultura. Solo dos cuadros vendió el pintor en vida.

Reconocido como uno de los iconos más resaltantes del renacimiento, Da Vinci fue una de las grandes mentes creativas de esta etapa de la historia humana, su pensamiento fue de una gran influencia como artista, ingeniero, armero, científico filósofo, cocinera, agricultor e inventor, entre muchas otras cosas. Llegando a conocer profundamente hasta de medicina.

El especial biográfico de Leonardo realizado por el “The History Channel” nos da una visión muy analizada por expertos de este gran genio universal.

Miguel Ángel: El artista de todos los tiempos.

Cada día hay en el Universo una estela dejada por la acción de otros seres humanos que al igual que nosotros buscaban la excelencia. Hoy esa  estela o  “semilla del día” fue sembrada por…

Miguel Ángel, pintor y escultor italiano. Considerado uno de los más grandes artistas de la historia.

“Dime, oh Dios, si mis ojos, realmente, la fiel verdad de la belleza miran; o si es que la belleza está en mi mente, y mis ojos la ven doquier que giran.”

Para Miguel Ángel, el trabajo del escultor es liberar la forma que, según él creía, ya se encontraba dentro de la piedra. Esto puede verse de manera más vívida en sus figuras sin terminar, las cuales para muchos parecen estar luchando por liberarse a sí mismas de la piedra. La falta de acabado en sus esculturas se debe a que le desagradaban a medio trabajo y las dejaba sin terminar.

Una conocida anécdota dice que cuando terminó el Moisés, Miguel Ángel golpeó violentamente la rodilla de la estatua con un martillo gritando ¿Por qué no me hablas?

Le influyó en gran medida la escultura del Laoconte, descubierta en su época en las termas del foro. Dice la historia que fue él quien dijo: Éste es el Laoconte del que habla Plinio. Le impresionó de él la medida monumental del conjunto, la torsión de los cuerpos y la expresividad de los rostros.

• Miguel Ángel, quien frecuentemente era arrogante hacia los demás y estaba continuamente insatisfecho consigo mismo, pensaba que el arte se originaba en la inspiración interior y en la cultura. En contradicción a las ideas de su rival Leonardo da Vinci, Miguel Ángel vio a la naturaleza como un enemigo al que hay que superar. Las figuras que creó están de ese modo en movimientos forzados, cada una en su propio espacio aparte del mundo externo.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida:

• Le Vite de’ più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido.
• Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.

Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:

“…toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos… Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria”.

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

Fotos: galeriaelcaballete.com; Wikipedia.org

Triunfó en todas las artes en las que trabajó

Cada día hay en el Universo una estela dejada por la acción de otros seres humanos que al igual que nosotros buscaban la excelencia. Hoy esa  estela o  “semilla del día” fue sembrada por…

Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

La figura de Miguel Ángel ha sido llevada al cine en varias ocasiones, siendo la más famosa, la película The Agony and the Ecstasy (El tormento y el Éxtasis, 1965), dirigida por Carol Reed sobre una novela de Irving Stone y protagonizada por Charlton Heston como Miguel Ángel y Rex Harrison como el Papa Julio II.

En 1982 se dio el nombre de 3001 Michelangelo a un asteroide descubierto por Edward Bowell.^[130] También hay un cráter en el planeta Mercurio con el nombre de Michelangelo.^[131]

En el año 1984 fue creado un cómic por Kavin Eastman y Peter Laird, sobre unas Tortugas Ninja Mutantes Adolescentes, en el cual cada una de las cuatro tortugas protagonistas fueron nombradas en honor de artistas del Renacimiento: Donatello, Leonardo, Rafael y Michelangelo, más adelante pasaron a varias series de dibujos de animación, para su exhibición por la televisión.^[132]

La RAI Radiotelevisione italiana, realizó en 1990, una serie-documental sobre la vida de Miguel Ángel con el título de La Primavera de Michelangelo, inspirado en el libro Una estación de gigantes de Vicenzo Labella, este autor junto con Julian Bond se encargaron del guión del documental que fue dirigido por Jerry Londo y protagonizado por el actor Mark Frankel.^[133]

Muchos de sus poemas han sido musicados en forma de lied, siendo los más conocidos los de Dmitri Shostakóvich, grabados por Dietrich Fischer-Dieskau.

Convertido en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia

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Pablo Picasso, pintor y escultor español.

Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

Esta medalla, única en su género por su forma de guijarro, se editó en 1981 para celebrar el centenario del nacimiento del artista español Pablo Picasso. Con motivo de este acontecimiento, la UNESCO organizó en París un simposio internacional y una exposición, y publicó un libro y un número de El Correo de la UNESCO totalmente dedicado al pintor. Un año antes, la Conferencia General aprobó estas celebraciones teniendo en cuenta “el gran impacto y la significación universal de la obra de Picasso en la evolución y transformación del arte contemporáneo.” Una de las paredes del gran vestíbulo del edificio de conferencias de la UNESCO está decorada desde 1958 con un mural del artista de 76 m2 titulado La caída de Ícaro.

PICASSO, Pablo (1881-1973)…
El amigo y compatriota de Picasso, Joan Miró, que por ese entonces era presidente de honor de la Asociación Internacional de Artes Plásticas, ejecutó el diseño original de la medalla e hizo donación del mismo a la UNESCO. Fue otro artista español, Joan Gardy Artigas, amigo de Miró, quien ejecutó el modelo a partir del cual se acuñó la medalla. El anverso de la medalla lleva la inscripción Pablo Picasso – Málaga – 25.X.1881 y tiene “en el centro un ojo, fijo y alerta, rodeado de inscripciones mágicas y musicales, como el ojo de Picasso…”, según la descripción que hizo el propio Miró. En el reverso se ve un paisaje con un campo desértico, un árbol, una estrella en el horizonte y la firma de Miró.

Recrea tu vista con algunas obras de éste Magnánimo pintor…